Geschichten & Erzählungen

„Die Geige: Tierisch gut, unfassbar schwer – und trotzdem zum Verlieben!“

Veröffentlicht am von Berthold Guggenberger / 0 Kommentare

Traktat über die Geige – Mit einem Augenzwinkern betrachtet

Die Geige, oder auch Violine, ist ein faszinierendes Objekt, das die Grenzen zwischen Tierreich und Musikinstrument verschwimmen lässt. Mit ihren vier „Wirbeln“ und der berühmten Schnecke am Hals könnte man sie fast für ein exotisches Lebewesen halten. Fügt man den „Frosch“ des Geigenbogens hinzu, wäre sie glatt ein Neuzugang im Zoo. Doch trotz ihrer tierischen Anmutung handelt es sich – glücklicherweise – um ein Musikinstrument.

Das unscheinbare Schwergewicht

Die Geige ist fast so allgegenwärtig wie das Klavier, hat aber einen entscheidenden Vorteil: Man kann sie mit einer Hand heben. Versuchen Sie das mal mit einem Flügel! Äußerlich ähneln sich Geigen stark, was die Unterscheidung erschwert. Darum gibt man ihnen Namen wie „Amati“ oder „Stradivari“ – klangvolle Etiketten für die Geigen-Aromatherapie. Kenner wissen: Der Lack verrät die Feinheit – wie bei schicken Schuhen.

Echte Geigen gibt es in „unecht“ und unechte Geigen sind oft überraschend echt. Klingt verwirrend? Willkommen in der Welt der Streichinstrumente!

Die magischen Saiten

Mit vier Saiten widerlegt die Geige das Sprichwort, dass alles zwei Seiten hat. Hergestellt aus Darm (ja, wirklich), kommen die besten Exemplare aus Darmstadt – ob Zufall oder Marketinggag, sei dahingestellt. Die stärkste Saite heißt „Quinte“, obwohl sie die Vierte ist. Diese Namensverwirrung klärt sich, sobald sie während eines Adagios reißt – ein Drama, das selbst das Publikum aufweckt.

Ein Wort zur Sparsamkeit: Gerissene Saiten zu verknoten mag clever erscheinen, aber der Knoten direkt über dem Griffbrett ist ein Garant für musikalische Abenteuer der besonderen Art.

Anatomie einer Geige

Im Zentrum der Geige thront der „Steg“, flankiert von zwei F-Löchern. Was diese Öffnungen tatsächlich bewirken, bleibt ein Rätsel. Größere Gegenstände lassen sich dadurch nicht einschmuggeln, und sie machen den Klang auch nicht besser. Dennoch eignet sich der Innenraum der Geige hervorragend als Sammelstelle für Kleingeld, Knöpfe oder Haarlocken – wenn auch eher unpraktisch.

Ein Klassiker unter Geigern ist der Versuch, ein Brotkügelchen durch ein F-Loch hinein und durchs andere wieder herauszupusten. Paganini soll das angeblich hinbekommen haben – aber sicher nicht oft.

Die Kunst des Streichens und Zupfens

Die Saiten der Geige werden mit Pferdehaaren gestrichen, die am Geigenbogen befestigt sind. Die vorherige Einreibung mit Kolophonium – einer Art Harz – gehört zum Ritual. Fehlt der Bogen, greift man auf die Zupftechnik zurück, genannt „Pizzikato“. Das klingt fast nach Pizza und macht ähnlich gute Laune. Für leise Momente kommt die „Sordine“ zum Einsatz, ein kleiner Dämpfer, den Geiger wie Zauberer aus der Westentasche zaubern.

Flageolett-Töne – jene zarten, flötenartigen Klänge – entstehen, wenn die Saiten nur sanft berührt werden. Ob natürlich, künstlich oder unfreiwillig: Flageolett bleibt ein Erlebnis, das selbst die Geduld des Zuhörers testet.

Die ewige Stimmung

Vor jeder Aufführung und gerne auch zwischendurch drehen Geiger an den Wirbeln, um die Saiten zu stimmen. Was sie dabei antreibt, ist unklar – musikalisch inspirierend ist es jedenfalls selten. Doch die Herausforderung, diese winzige Mechanik zu meistern, scheint unwiderstehlich.

Haltung bewahren

Die Geige wird elegant unter das Kinn geklemmt – eine Haltung, die sich beim Fotografieren seltsamerweise ändert: Dann verschwindet sie unter dem Arm. Es bleibt ein Mysterium, ob das für den Charme der Geiger oder den Schutz der Geige besser ist.

Und damit endet unser humorvoller Blick auf die Geige – ein Instrument, das nicht nur für großartige Musik sorgt, sondern auch für so manche skurrile Anekdote. Vielleicht sehen Sie Geiger und ihre Kunst nun mit einem Lächeln mehr.

Geigenpersöhnlichkeiten

Bronisław Huberman: Der Virtuose, der Geschichte schrieb

Veröffentlicht am von Berthold Guggenberger / 0 Kommentare

Bronisław Huberman war mehr als nur ein herausragender Geiger – er war eine Legende, ein Visionär und ein Mensch, der die Musik mit seinem Engagement für Menschlichkeit und Kultur verband. Seine Geschichte ist nicht nur die eines musikalischen Genies, sondern auch die eines unbeugsamen Geistes in bewegten Zeiten.

Die Anfänge eines Wunderkindes

1882 in Tschenstochau (heute Polen) geboren, war Huberman ein musikalisches Wunderkind. Schon im zarten Alter von sechs Jahren trat er in das Warschauer Konservatorium ein, und nur drei Jahre später verzauberte er das Publikum mit seinen Auftritten. Die Familie erkannte sein außergewöhnliches Talent und zog nach Berlin, wo der berühmte Geiger Joseph Joachim sein Lehrer wurde. Doch Joachims Zeit war begrenzt, und so suchte sich der junge Bronisław heimlich andere Wege.

Er fand einen Mentor in Charles Gregorowitsch, den er später als seinen wichtigsten Lehrer bezeichnete. Trotz weiterer Studien bei namhaften Musikern wie Hugo Hermann in Frankfurt und Martin Marsick in Paris formte Huberman seinen Stil weitgehend autodidaktisch. Diese Eigenständigkeit spiegelte sich später in seiner einzigartigen und emotional intensiven Spielweise wider.

Der Durchbruch und die Begegnung mit Brahms

1895 gelang Huberman in Wien der Durchbruch – bei einem Konzert, das ursprünglich der Verabschiedung der berühmten Sängerin Adelina Patti gewidmet war. Die Kritiker waren begeistert: Man hatte gedacht, einen „untergehenden Stern“ zu verabschieden, doch stattdessen „begrüßte man einen aufgehenden“.

Ein Jahr später, 1896, folgte ein weiterer Höhepunkt: Huberman spielte das Violinkonzert von Johannes Brahms in Anwesenheit des Komponisten selbst. Brahms war so beeindruckt, dass er ankündigte, für den jungen Virtuosen eine Fantasie schreiben zu wollen. Hubermans Spiel wurde als atemberaubend und ausdrucksstark beschrieben – ein Virtuose, der die Musik lebendig machte und sie direkt ins Herz seines Publikums trug.

Ein Musiker mit Haltung

Doch Huberman war nicht nur ein brillanter Künstler, sondern auch ein Mann mit Prinzipien. Schon früh engagierte er sich in der Paneuropa-Bewegung, die für ein vereintes Europa eintrat. Mit dem Aufstieg des Nationalsozialismus in Deutschland zog er klare Grenzen und boykottierte Hitler-Deutschland. Seine Überzeugung führte ihn auch nach Palästina, wo er Ende der 1920er-Jahre begann, kulturelle Verbindungen zu Europa zu fördern.

Nach der Machtübernahme durch die Nationalsozialisten widmete sich Huberman der Unterstützung geflüchteter jüdischer Musiker. 1936 gründete er das Palestine Philharmonic Orchestra, das später – nach der Gründung des Staates Israel 1948 – zum Israel Philharmonic Orchestra wurde. Seine Initiative rettete nicht nur zahlreiche Leben, sondern legte den Grundstein für ein kulturelles Erbe, das bis heute Bestand hat.

Unerschütterlich trotz Rückschlägen

1937 überlebte Huberman einen Flugzeugabsturz über Sumatra, bei dem er sich den linken Arm brach und zwei Finger seiner rechten Hand schwer verletzte. Für einen Geiger hätte dies das Ende seiner Karriere bedeuten können – doch nicht für Huberman. Mit eisernem Willen und intensivem Training erlangte er seine Spielkunst zurück und bewies, dass Leidenschaft und Disziplin jedes Hindernis überwinden können.

Ein Vermächtnis, das bleibt

Während des Zweiten Weltkriegs lebte Huberman in den USA, doch 1945 kehrte er nach Europa zurück. Zwei Jahre später, 1947, verstarb er in Nat-sur-Corsier bei Vevey in der Schweiz. Sein Leben war geprägt von außergewöhnlicher Musik, menschlichem Engagement und einem unermüdlichen Einsatz für Kunst und Kultur.

Bronisław Huberman ist nicht nur eine Inspiration für Musiker, sondern auch ein Vorbild für alle, die daran glauben, dass Kunst eine Brücke zwischen Menschen, Kulturen und Nationen bauen kann. Seine Geschichte zeigt, wie ein einzelner Mensch mit Talent und Mut die Welt verändern kann.

Geigenpersöhnlichkeiten

Yehudi Menuhin – Das Wunderkind, das die Welt mit seiner Musik vereinte

Veröffentlicht am von Berthold Guggenberger / 0 Kommentare

Yehudi Menuhin – ein Name, der untrennbar mit der Magie der Musik verbunden ist. Sein Leben liest sich wie ein Film über ein außergewöhnliches Talent, das zu einer der einflussreichsten Persönlichkeiten des 20. Jahrhunderts wurde. Aber wer war dieser Mann, dessen Geigenspiel Generationen von Menschen verzauberte und über die Grenzen der Musik hinaus wirkte?

Vom Wunderkind zum Weltstar

Menuhin wurde 1916 in New York als Sohn russisch-jüdischer Einwanderer geboren und wuchs im sonnigen Kalifornien auf. Schon als Kleinkind zeigte sich, dass Musik für ihn keine Sprache war, die er erst erlernen musste – sie war seine Muttersprache. Bereits mit vier Jahren begann er Geigenunterricht zu nehmen. Kurz darauf wechselte er zu Louis Persinger, einem Musiker des San Francisco Symphony Orchestra, der sein außergewöhnliches Talent sofort erkannte.

Mit sieben Jahren gab Menuhin sein erstes Konzert in San Francisco. Bald darauf folgte sein Debüt mit dem San Francisco Symphony Orchestra und ein Jahr später ein umjubelter Auftritt in New York. Der junge Yehudi Menuhin war ein Wunderkind, dessen Name schnell über die USA hinaus bekannt wurde.

Die Begegnungen, die alles veränderten

Auf einer Reise nach Paris traf Menuhin George Enescu, einen der größten Musiker seiner Zeit. Enescu sah in Menuhin nicht nur einen talentierten Geiger, sondern einen echten Künstler. Anstatt ihn nur technisch zu perfektionieren, half Enescu ihm, die tieferen Zusammenhänge der Musik zu verstehen. Diese Herangehensweise prägte Menuhins Spiel und später auch seinen Charakter als Musiker.

Ein weiterer Mentor war Adolf Busch, der Menuhin half, sich musikalisch weiterzuentwickeln, ohne seine einzigartige Ausdruckskraft zu verlieren. Die Verbindung von technischer Brillanz und musikalischer Tiefe wurde zu Menuhins Markenzeichen.

Der Triumphzug eines Virtuosen

1928 nahm Menuhin seine ersten Stücke auf, darunter Werke von Bach, Beethoven und Brahms. Der endgültige Durchbruch kam 1929 mit einem Konzert in Berlin, wo er unter Bruno Walter spielte. Die Kritiker waren sich einig: Hier spielte nicht nur ein technisches Wunderkind, sondern ein Musiker, der die Seele der Musik verstand.

Ein Künstler mit Haltung

Doch Menuhin war mehr als ein gefeierter Geiger. Er nutzte seine Musik, um Brücken zu bauen – zwischen Menschen, Kulturen und sogar Ländern, die sich im Konflikt befanden. Während des Zweiten Weltkriegs gab er über 500 Konzerte für Soldaten und das Rote Kreuz. Diese Auftritte waren mehr als bloße Ablenkung – sie waren ein Lichtblick in dunklen Zeiten.

Nach dem Krieg war Menuhin der erste jüdische Musiker, der in Deutschland auftrat. Diese Entscheidung war nicht unumstritten, aber Menuhin glaubte an die Kraft der Musik, Versöhnung und Heilung zu fördern. Seine Reisen führten ihn auch in die Sowjetunion und in den arabischen Raum – trotz Kritik aus Israel.

Pionier und Brückenbauer

Menuhin überschritt musikalische Grenzen. Er spielte mit dem indischen Sitar-Meister Ravi Shankar und dem Jazzgeiger Stéphane Grappelli, was für die damalige Zeit revolutionär war. Auch als Gründer von Festivals, wie dem in Gstaad, und durch seine Stiftung MUS-E für künstlerische Bildung von Kindern zeigte er, dass Musik nicht nur auf der Bühne, sondern auch im Alltag Leben bereichern kann.

Ein Vermächtnis, das bleibt

In seinen späteren Jahren zog sich Menuhin zunehmend vom Geigenspiel zurück und widmete sich dem Dirigieren. Doch seine Botschaft blieb dieselbe: Musik hat die Macht, die Welt zu verändern. Yehudi Menuhin starb 1999 während einer Tournee in Berlin, aber seine Vision lebt weiter – in den Klängen, die er hinterlassen hat, und in den Herzen der Menschen, die er berührt hat.

Fazit

Yehudi Menuhin war mehr als nur ein Geigenvirtuose. Er war ein Mensch, der die universelle Sprache der Musik dazu nutzte, Brücken zu bauen und Hoffnung zu schenken. Sein Leben ist ein Beweis dafür, dass Kunst weit über die Bühne hinaus wirken kann – eine Inspiration für uns alle.